Recetas tradicionales

Sinfonía de colores

Sinfonía de colores

Separar los huevos (la clara de la yema). Dividí la cantidad de azúcar, puse 5 cucharadas de claras de huevo que batí. También se batieron las yemas, junto con las 5 cucharadas de azúcar restantes, junto con el polvo de hornear y las 5 cucharadas de agua mineral. Sobre esta mezcla, agregué gradualmente una cucharada de espuma de clara de huevo + 1 cucharada de harina, hasta que han incorporado todos los ingredientes.

Dividí esta mezcla en dos, dejé una parte amarilla y le agregué la cáscara rallada de 1 limón; la otra parte la mezclé con pudin en polvo + las 5 cucharadas de agua mineral + coco.

Coloqué la tapa en una bandeja engrasada forrada con harina, alternando colores, ver imágenes adjuntas.

El horno precalentado se encargó de mi bandeja durante unos 20 minutos, de modo que el pastel se dore bien a 180 grados.

Después de que se enfrió, lo decoré según mi imaginación con esmalte blanco y rosa.

¡Buen apetito!




Cómo los rusos quemaron la toma rumana

Estoy hablando con el besarabiano Dumitru Muruzuc. Tallador de toda la vida. Y de padre a hijo con el corazón artesanal y icircn. Hablar con una Besarabia es a la vez agradable y difícil. Gente más cálida de la que nunca habían visto. Pero a menudo detrás de cada historia hay una tragedia. Aprendí mucho de sus historias. Pero aún no es suficiente. Dumitru & icircmi trae & icircn al frente una nueva pestaña. Lo que atravesaron los oficios más allá de los años soviéticos de Prut & icircn.

Hornos de dinamita

No quedaría nada en las casas y debajo de los cobertizos. Al entrar en Besarabia, los rusos fijaron su mirada en los hornos donde ardían las ollas y sartenes. La ocupación de gran valor de la arcilla había sido durante la época del Gran Imperio Romano. ¿Y qué hicieron los rusos? Explotaron los hornos. ¿Es eso así? & bdquoSí, les pusieron dinamita y fuego y los destrozaron & rdquo.

Quema de trajes folclóricos

Luego tomaron los trajes típicos de las casas del pueblo, por donde habían entrado con el rifle, y les prendieron fuego. Posteriormente, los propios pobladores vinieron a quemar sus propias joyas de la tierra, muchas de ellas heredadas de sus abuelos y bisabuelos. Derritieron sus cajas de dote. Si los encontraban con algo así, corrían el riesgo de ser deportados a Siberia.. "¡Así era entonces!", Dice Dumitru, un hombre de 55 años. Conoce algunos hechos personalmente. Escuchó otros de sus padres.

Números trágicos

Jale el aire y el pecho del icircn. Siento que me ahogo. Había anotado todo lo que me decía mi interlocutor y estaba cansado. El mal me ha agotado. Ese mal del que Besarabia todavía mueve los hilos. Durante el Reino e icircn esta parte del país había 120 artesanías. Hoy hay 20. El resto ha sido borrado de la faz de la tierra. & Icircn el tiempo de & bdquohomo sovieticus & rdquo.

El héroe inolvidable

Escucho otra historia, de 1962. Un artesano, un carpintero de su clase, se llamaba Gheorghe Muruziuc, del pueblo de Fălești, no podía soportar la mentira y las desgracias. Cogió una bandera romana, no se sabe dónde y cómo la consiguió, tal vez la tenía escondida en alguna parte, y se subió con ella a la chimenea de la azucarera de Alexandreni.

Se sentó allí durante horas. Había izado la bandera en lo alto de la torre. Para que todos vean, a lo largo y ancho, cuya tierra es la tierra. Se había llevado consigo al bardo con el que tallaba la madera. Defiende el tricolor con su herramienta de trabajo. El oficio, comenta el que estoy hablando hoy, ya no era un simple trabajo del que sabes lo que estás haciendo. Fue una forma de resistencia.

Hubo mucho ruido. La gente había salido a la calle para ver qué pasaba. El carpintero finalmente fue arrestado. Gheorghe colapsó hace cinco años. Allí, en su aldea, Fălești, todo su aliento lo llevó a la tumba. El ataúd estaba vestido con el tricolor romano. Fueron un verdadero héroe en el último camino. Él, el carpintero, el tallador, Gheorghe Muruziuc.

& bdquoSiempre nos juntamos & rdquo

Dumitru se sienta con los ojos inclinados sobre sus tallas. Siento que me acerqué a él, que le evoqué recuerdos. Sus dedos grandes, ásperos, gruesos, cubren por completo el pequeño objeto que, lenta y lentamente, va tomando forma. & bdquoNuestra nación ha pasado por mucho. Caímos y nos arrodillamos. Siempre nos reunimos y rdquo, las palabras salen como si fueran de la nada.

Los últimos 600

Los artesanos populares de Besarabia se reunieron en una Unión propia, inmediatamente después de que la República de Moldavia proclamara su independencia. Las aguas habían retrocedido y no se habían secado. La gente se cuenta y ve que hay 600 en total.

Desde entonces, se han vuelto más pequeños. El sindicato se había construido principalmente en los barrios antiguos. Los jóvenes ya no están interesados ​​en la artesanía. Las nuevas generaciones se han ido a Occidente, a una vida mejor, si vieron que en la nueva República la vida empeora. Y sin perspectivas.

El columpio tallado

El tallador de la historia se detiene de nuevo. Respiro de nuevo. Y me sigo preguntando. Su esposa, Verónica, también es artesana folclórica. Sabe tejer juncos. Ella también es maestra. El padre de Dumitru era tallador de madera. El abuelo también. Tiene un hermano. Él con la misma pasión. & bdquoCrecí entre las herramientas que dan voz a la madera. Mi madre me meció en el árbol tallado por mi abuelo.

Nuevos sufrimientos, después de 1990

El pueblo donde nació, donde todavía vive hoy, se llama Reuțel. & Icircn cerca de la ciudad de Balti. Recuerda que en 1990, durante el renacimiento nacional de Besarabia, se puso un traje folclórico y se fue a la ciudad. Iba a ser golpeado por rusófonos. Está involucrado en la aparición de un club de artesanos, en Bălți.

Escuelas de la verdad dicha & icircn

Va a la escuela en su pueblo, hablando con los niños sobre tradiciones y artesanías. Ha estado en muchas otras escuelas y escuelas secundarias de la República durante años. Abrió una puerta para los pequeños que ni siquiera habían visto antes. Describiendo su traje popular, quimera, sombrero campesino, opincile, bundița.

& bdquo & Icircn Desde hace 25 años promuevo el arte popular en el ámbito juvenil. He educado a generaciones de niños. Les describí nuestro tesoro. Parte de la cultura romaní y acircnești y rdquo.

Noto el iureș del alma en el pecho de la Besarabia. & Icircn especialmente c & acircnd habla sobre Rom & acircnia. "Durante la época de los soviéticos se nos enseñó que los romanos son nuestros enemigos". Él suspira.

La sinfonía de la noche

Otros recuerdos surgen de su infancia. Subió al cerro de noche, que custodia el pueblo, escuchando una sinfonía en el mar de paz. Eran carpinteros. Cada latido con su bardo en su propio estilo. Él, el niño de esa época, les había enseñado estilo, armonía, ritmo. Había 30 artesanos. Por el sonido del bardo e icircşi se dio cuenta de quién era. La gente trabajaba después del anochecer. C & acircnd las autoridades deberían haber dormido. Sólo en la noche de la carpintería se vistieron con sus verdaderas ropas, del oficio al que no querían renunciar, deshaciéndose de los dogmas del día. Dormirían unas horas más ya las cinco de la mañana se despertaban para ir a trabajar, en el koljós.

Hoy se habla más de carpintería que en el pasado. Lo mismo ocurre con el arte de tejer. Solo en unos pocos pueblos de la República de Moldavia se conocen sus secretos. Los rotarios también han desaparecido. Y los artesanos que hacían arneses para caballos.

Alfombras de maíz

Muchos pueblos y aldeas de la República organizan ferias artesanales. & bdquoY voy a todas partes con los frutos de mi trabajo & rdquo. De eso es de lo que vive.

Vuelve a caer de rodillas. Sabe por sus padres cómo durante la hambruna en Besarabia, después de la guerra, las alfombras campesinas, de una espléndida viveza de colores, se habían convertido en una especie de moneda para la gente que las daba a cambio de maíz y trigo.

El bosque de esculturas

Se remonta a la actualidad. Hace seis años sentó las bases de una reserva de obras en el arte de la madera. En medio de los bosques de Ungheni aparece el bosque de esculturas. & bdquoPlaiul Fagului & rdquo, así se llama la zona. Quien llega aquí está rodeado de personajes que son el estado de un hombre, que encarnan historias inmortales. White Harap, Bird, Guerrilla. Y muchos otros. Muchos de los talladores fueron capacitados por la empresa con la que me siento honrado de estar ahora.

Escuela vocacional

En su aldea, con la ayuda del Ayuntamiento, inauguró este año el Centro de Artesanía Tradicional. De hecho, una escuela en la que se formarán nuevas generaciones en diversos géneros de expresión de la tradición.

& bdquoNecesitamos más ayuda. & Icircn especialmente equipos para madera y cerámica & rdquo, es una señal de que el hombre & icircl tira. Continúo con este mensaje. Quizás, quién sabe, también se escuche & icircn Rom & acircnia, de donde vendrá un posible apoyo. Dumitru Muruzuc ya es apreciado en la Patria, siendo miembro de la Academia de Artes y Tradiciones de Sibiu. Sus gestos continúan retumbando. No se detuvieron ni por un momento, durante más de una hora, mientras seguía su destino. & bdquoY ni siquiera tienen g & acircnd to stop & rdquo, es como una promesa para sí mismo. Dirigido al futuro.


Magia, rituales, hechizos.

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Terapia musical

Que es la musicoterapia

Con el tiempo, el efecto beneficioso de la música con sonidos agradables y más que eso se ha observado en algunas personas superdotadas, experiencias fantásticas similares a las del mundo de los cuentos de hadas, extraterrestres, paranormales expresadas en un lenguaje actual.
Las leyendas hablan del dios PAN que, cuando cantaba a las flautas de pan, encantaba a los animales, las cabras bailaban.
Orfeo amansó a las bestias salvajes con la maza, y la Biblia cuenta cómo David tomó el arpa y le cantó a Saúl, y fue más fácil y mejor para él, y el espíritu maligno se apartó de él.
Los alumnos de Pitágoras (pitagóricos) practicaron música, cantos, ritmos y danzas seleccionados para fiestas o para la ceremonia religiosa pública conociendo sus efectos.
Hoy vemos directamente o en películas como cantan algunos animales, emiten sonidos melodiosos a través del entrenamiento. Muchos tienen un comportamiento de amantes de la música, se reúnen alrededor de las radios, dando muestras de gratitud al escuchar.
La acción de las ondas sonoras se conoce tanto sobre las plantas que germinan y crecen mejor, como sobre la productividad de la leche, en las vacas en cuyos establos cantan, se escucha música.
Así se redescubren las múltiples virtudes de la música: no solo tiene un papel, una función estética cultural, como algunos creen a primera vista, sino también una función filosófica, mágica, terapéutica.
Mencionamos de pasada que los hechizos (magia blanca) se practicaban en la antigüedad, pero también hoy se susurran, enfatizando ciertas palabras clave a través de encantamientos, que emiten una cierta frecuencia que resuena con el paciente.
¿Ha perdido la música su fuerza penetrante en la psique humana, produciendo transformaciones reales?
¡No! Solo ha aumentado el desconocimiento de las personas, pero al no saberlo pueden caer presa de conocedores que utilizan sonidos destructivos en ciertos sentidos, generalmente muy fuertes, que se acercan a la frecuencia de los ruidos, desagradables para el oído.
¡Sin mencionar los mensajes de texto, cuando la música va acompañada de palabras!
La música fue deshonrada. En la búsqueda de la originalidad, siguiendo la moda del siglo, alcanzó la expansión, verdaderas mutaciones estilísticas.
El Manifiesto de los Músicos Futuristas dice: nos da infinitamente más placer combinar de manera ideal los ruidos de los tranvías, camiones, características y la multitud ruidosa, que escuchar, por ejemplo, Heroic o Pastoral, y en Semana Santa, un cóctel de locomotoras.
¿Cómo surgió esta situación?
El hombre moderno que está extremadamente ocupado no reserva tiempo para sí mismo. El proceso de encantamiento ya no ocurre cuando se escucha la flauta o el arpa. Atrás quedó el niño, que debe existir en todos: la infancia del hombre, la capacidad de maravillarse con la belleza, lo original, que da frescura y vigor.
En cambio, existe el peligro de que la música vuelva a convertirse en una fuerza, que induzca trastornos mentales violentos inimaginables, especialmente para los jóvenes seguidores de nuevas corrientes (jazz, rock, havy-metal, etc.).
Tanto más nos parece de suma importancia tanto denunciar los efectos nocivos, como dar a conocer al público en general, a las personas de todas las edades y especialmente a los jóvenes la verdad sobre la música y sus virtudes, sus efectos beneficiosos y curativos.
La meloterapia es el método de curar o aliviar los síntomas escuchando música.
Las preguntas que surgen de inmediato son las siguientes:
¿Cuál es la música que tiene la virtud de curar?
¿Qué ritmo tiene?
¿En qué ambiente se escucha? ¿Cuáles son las condiciones de escucha?
¿Cuál debería ser el nivel de sonido? (¿Qué tan alto o lento debería ser?)
La música que tiene la capacidad de inducir el equilibrio energético a través del fenómeno de biorresonancia inducida por vibraciones sonoras es generalmente música instrumental. De hecho, el significado sin palabras de la música es lo que da poder y valor. Se dice que no habría música y no habría necesidad de ella si se pudiera expresar verbalmente lo que se comunica a través de la música: toda la gama de sentimientos humanos, fenómenos naturales, la sugerencia de estaciones, momentos del día y de la noche con inexpresable fascinación, paisajes milagrosos, la movilización de fuerzas, energías o, por el contrario, su disipación, esparciéndose en el océano galáctico.
El ritmo es el elemento esencial que confiere comodidad o malestar y que conecta al público (oyente) con la sensación del tiempo.
Se sabe que durante la vida intrauterina el feto escucha los latidos del corazón de su madre. Se acostumbra a este ritmo. En un contexto de máxima protección a la temperatura corporal. El ritmo de los tambores de los pueblos primitivos es precisamente este ritmo.
En la música medieval y clásica encontramos el conocido ritmo de nuestra vida más allá de la memoria, atesorado en el subconsciente.
A continuación se muestra una lista (según un investigador estadounidense) de compositores y obras de uso general:
Llevar una vida de soltero:
Largo, The Concert in La
Sinfonía en si bemol
Suite para orquesta
Concierto de Brandeburgo núm. 4
Beethoven:
Heroico
Sonata del mes
Séptima sinfonía (Allegretto)
Brahms:
sitios intermezzo
Chopin:
Concierto no. 1 para piano (p.II)
El vals en la menor
Debussy:
luz de la luna
Griego:
Concierto para piano en la menor (p.II)
Haydn:
Sinfonía núm. 99 (pág. II)
Correo:
Invocación
Mendelssohn:
Sinfonía italiana (p.II)
Mozart:
Sinfonía núm. 40 (pág. II)
Preboste:
Intermezzo
Rahmaninov:
Concierto no. 2 (pág. II)
Saint-Saens:
L'Aquarium (del Carnaval de animales)
Schumann:
Arabesco. Ensueño
Schubert:
Octava sinfonía (p.II)
Tchaikovsky:
Sexta sinfonía
Wagner:
Preludio de Parsifal
Estrella de la tarde (Trannhauser)

Condiciones de escucha:
Se recomienda estar solo en la habitación, tanto como sea posible en una habitación donde no le molesten durante la escucha.
fuente de sonido (radio, reproductor de casetes, altavoz) a una distancia de 2-3 metros de la silla o sillón en el que se sienta
Eliminar del campo visual objetos o fotografías que evocan recuerdos.
la silla o sillón no debe ser ni demasiado alto ni demasiado corto, para no obstaculizar la circulación de la sangre
las manos se colocarán pegadas al cuerpo, y las piernas estarán paralelas, no cruzadas, para facilitar la circulación energética en los meridianos del cuerpo.
(Usamos la posición cruzada cuando nos defendemos de un interlocutor desagradable o que nos comunica cosas desagradables o tiene cierto tono, una violencia verbal).
El nivel de sonido, la intensidad es difícil de determinar para nosotros. Tú eres quien es capaz de apreciar cada uno según temperamento y agudeza auditiva, pero ten en cuenta que un nivel demasiado débil puede eliminar ciertas impresiones, sobre todo a la hora de tocar en orquesta, y un nivel demasiado alto (fuerte) es agotador.Cambia el poder emocional de la audición.
Los audífonos se pueden usar en casa para no molestar a otros miembros de la familia.
La iluminación de la sala o sala donde se realiza una sesión de meloterapia puede ser:
natural (luz del día)
artificial, especialmente cuando se combina con cromoterapia, practicando la elección del color en función del diagnóstico.
Además, cuando afuera hace un día gris lluvioso o con niebla, también usamos luz artificial, ya sea en casa o durante la audición grupal organizada.
Temperatura ambiente: 20-22 grados (18-24 grados).
Durante la audición te recomendamos que recuerdes las cosas maravillosas de la naturaleza: montañas, bosques, aguas cristalinas, flores, armonía de colores, etc., y si estás cansado no pienses en nada, déjate robar, ducharte, mecer. por la música.
Recomendamos escuchar al menos tres piezas musicales. Su elección se realiza de acuerdo con el nivel cultural, la cultura musical, el estado emocional y el diagnóstico cuando la persona está enferma.
Entonces, la meloterapia, como otros métodos naturales, se usa con fines profilácticos y curativos.
El médico, el terapeuta es quien selecciona los fragmentos musicales en el segundo caso.
Debido a que la música actúa sutilmente, sobre el sistema de vibración y biorresonancia, incluso una música de compositores clásicos y cultos, en los departamentos de medicina interna o en los consultorios dentales, independientemente del grado de cultura del paciente, tendrá un efecto beneficioso.


Juan 8, 51-59

“El Señor dijo a los judíos que habían venido a él: De cierto, de cierto os digo, que si alguno guarda mi palabra, no verá muerte jamás. Pero los judíos le dijeron: Ahora sé que eres un diablo. Murió también Abraham, los profetas, y vosotros decís: Si alguno guarda mi palabra, ¿no gustará la muerte para siempre? ¿No eres tú más grande que nuestro padre Abraham, que murió? Y los profetas murieron. ¿Quién te haces a ti mismo para ser? Jesús respondió: Si me glorifico a mí mismo, mi gloria es nada; mi Padre es el que me glorifica, de quien ustedes dicen que es su Dios. Y tú no lo conocías, pero yo lo conozco, y si dijera que no lo conozco, sería un mentiroso como tú. Pero lo conozco y guardo Su palabra. Abraham, tu padre, se alegró de ver Mi día y lo vio y se regocijó. Entonces le dijeron los judíos: Aún no tienes cincuenta años, ¿y has visto a Abraham? Jesús les dijo: De cierto, de cierto os digo que estoy delante de Abraham. Entonces tomaron piedras para arrojárselas; pero Jesús se escondió y salió del templo, pasando por en medio de ellos, y así pasó.


Contenido

La palabra sinfonía deriva del griego syn (juntos) y teléfono (llamar). En el siglo XVII, el término se utilizó para introducciones orquestales de obras (sinfonía), cantatas, oratorios, para las introducciones orquestales de las arias, pero también para las obras de conjunto que podrían clasificarse como sonatas o conciertos. El factor común en el uso variado del término fue tratar la sinfonía o sinfonía como parte de un fragmento más grande de una composición.

Para comprender el desarrollo del estilo sinfónico clásico, es necesario seguir su evolución en el siglo XVIII. En primer lugar, la sinfonía se ha explotado con gran intensidad a lo largo del siglo: el catálogo de sinfonías del siglo XVIII contiene más de 13.000 obras tan distintas. En ese momento, en Europa no había un estilo suntuoso, de iglesia o incluso privado que contuviera una serie (stock) de sinfonías. Se han descubierto colecciones valiosas en Finlandia, Sicilia, Kiev o Salem. El centro líder en la producción de sinfonías fue sin duda Viena, seguida de Alemania, Italia, Francia e Inglaterra, pero también se desarrolló una actividad importante en Escandinavia, España, Polonia y Rusia. En segundo lugar, un aspecto importante es el continuo desarrollo de la sinfonía, a partir de finales del siglo XVII con las necesidades técnicas de los instrumentos, el contenido y el contraste de tempo, y finalmente desembocando en una serie equilibrada de procedimientos que sintetizan lo clásico. estilo. Finalmente, caracterizar a mayor escala el carácter público de la sinfonía, junto con el hecho de que no depende de un cierto virtuosismo para lograr tal efecto, le dio un peso y significado que requería la habilidad de un compositor. La posición cada vez más destacada que se le dio a la sinfonía en el siglo XVIII, se manifiesta de forma tangible en la doble importancia que ocupa en los catálogos publicados y en el notable papel que juega en los escritos de la época. [1]

Registrar el término en fuentes tempranas Cambiar

En la antigüedad griega, el término Συμφωνια indica consonantes, en particular la consonancia perfecta (octava), pero fue utilizado por Aristóteles (en "Acerca del cielo") y para indicar la actuación pública de varios músicos. [requiere citación] En romanos, en latín clásico, los coros en los que se cantaba la octava se llamaban sinfónico. En la Edad Media, el término sinfonía se opone diafonía: el primero indica la consonancia, mientras que el segundo corresponde a la disonancia. Isidoro de Sevilla (560-636) usa la palabra latina sinfonía para nombrar un instrumento de percusión de dos cabezas. En la Francia desarrollada y medieval tardía (siglos XII-XIV, sinfonía era el nombre de un frascoorganistrum). En Alemania, la columna vertebral se llamará más tarde Sinfonía.

Cambio de época renacentista y barroca

El primer uso del término para indicar una composición musical instrumental se encuentra en un manuscrito del siglo XV descubierto en Leipzig, que también contiene una sinfonía "para tuba y otros instrumentos armoniosos ”(para no confundir el latín tuba con el instrumento moderno, la tuba renacentista es también una especie de instrumento de viento de metal, pero de una construcción completamente diferente). A partir del siglo siguiente, la palabra "sinfonía" se utiliza cada vez con más frecuencia, con diferentes significados. Así, en 1585, en Amberes, se nombra una colección de madrigales Sinfonía angelical de varios excelentes músicos.. En Italia, en 1589, Luca Marenzio se reunió bajo el nombre de Symphoniae una serie de intermezzi instrumental, y en Venecia, en 1597, Giovanni Gabrieli compuso una serie de piezas vocales e instrumentales a varias voces, que tituló Cantus sacrae symphoniae. En 1603 apareció en Nuremberg una colección de piezas con el nombre de Sacrae symphoniae diversorum excellentissimorum auctorum.

La composición musical que, desde el siglo XVII, se llama cada vez más "sinfonía" (en italiano: sinfonía) es el preludio instrumental de una obra lírica, una especie desarrollada en ese momento en Italia, especialmente en Florencia, comenzando con Jacopo Peri (Eurídice), Giulio Caccini y otros, dentro del círculo cultural Camerata de 'Bardi, con Vincenzo Galilei como mentor musical. [requiere citación] Un ejemplo es la "sinfonía" con la que se abre la famosa ópera El orfeo de Claudio Monteverdi (1607).

Posteriormente, se hace una clara distinción entre la "sinfonía" francesa e italiana. A diferencia de la introducción orquestal de obras francesas, apertura (siguiendo el esquema propuesto por Jean-Baptiste Lully, a saber, lento-rápido, a veces con la reanudación del primer movimiento), sinfonía El italiano (popularizado especialmente por la escuela de música de Nápoles por Alessandro Scarlatti, que luego se extendió por todo el país) se caracterizó por movimientos rápidos-lentos-rápidos.

Cambio barroco tardío y "estilo galante"

El término sinfonía todavía se usa en varios sentidos. Johann Sebastian Bach llama "Symphonie" el ciclo de invenciones de clavecín (1723), así como el preludio Coincidencia en Do menor para clavecín.

Hacia mediados del siglo XVIII, la generación (autoproclamada autora del "estilo galante") que determinará la transición a un estilo radicalmente cambiado (conocido hoy como "clasicismo") incluye una serie de fuertes reacciones a la estética de música barroca. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788, hijo de Johann Sebastian), Johann Gottlieb Graun (1702-1771) y Georg Christoph Wagenseil (1715-1777) aplican el término sinfonía para una pieza orquestal independiente, dividida, generalmente, en tres movimientos contrastantes (retomando el modelo anterior ofrecido por los italianos). Un papel importante en el desarrollo de este nuevo tipo de sinfonía fue jugado por la Escuela de Música de Mannheim, esbozada en torno al compositor y director Johann Stamitz (1717-1757).

Las primeras sinfonías de concierto están orquestadas para orquesta de cuerdas, con clavecín y, a menudo, fagot como parte del grupo de continuo. Aunque la norma contiene cuatro instrumentos (dos violines, una viola y un bajo), las sinfonías en trío para dos violines y bajo son bastante comunes en las primeras etapas de la sinfonía. Las sinfonías formadas por debajo del estándar de 4 continúan siendo cultivadas hasta finales de siglo, especialmente por compositores que trabajan en centros más pequeños de la provincia, pero también en circunstancias especiales, por figuras conocidas como Carl P.E. Bach, cuyas sinfonías para orquesta de cuerdas de 1773 fueron escritas para Gottfried van Swieten. [1]

La nueva especie se está extendiendo al resto de Europa. El número de componentes se incrementa a cuatro, por la introducción de Johann Stamitz antes del movimiento final de otro, en tempo de minué. [requiere citación] Entre los compositores sinfónicos se encuentran Matthias Georg Monn (1717-1750), Wenzel Raimund Birck (1718-1763, Viena), Leopold Mozart (1719-1787, Salzburgo), François-Joseph Gossec (1734-1829, París).). En Inglaterra, el género sinfónico se dio a conocer a través de las obras de los compositores alemanes Johann Christian Bach (1735-1782) y Karl Friedrich Abel (1723-1787), afincados en Londres. [requiere citación] En Italia destacan Giovanni Battista Sammartini (1701-1775), Andrea Luchesi (1741-1801) y Antonio Brioschi (1725-1750).

La sinfonía clásica se desarrolló en Viena en las últimas décadas del siglo XVIII y está relacionada principalmente con los nombres de los compositores Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

La contribución de los compositores más importantes del período de Modificación

Joseph Haydn Modificar

Haydn introduce un fuerte clima emocional a través de su afiliación al llamado movimiento artístico de la época. Sturm und Drang sus sinfonías establecen las coordenadas del formato clásico de la especie. Escribió 104 de tales composiciones, muchas conocidas hoy por títulos con alusión programática que, de hecho, pertenecen a una época mucho más reciente. Haydn desarrolla un modelo para la estructura de la sinfonía, el canon establecido contando así cuatro partes. Sus sinfonías suelen comenzar con un alegro en forma de sonata, continuar en cámara lenta (andante o adagio), seguido de un minueto y un final (final) en tempo tempo, a menudo en forma de rondó. La culminación de la creación de Haydn son las últimas doce sinfonías, [requiere citación] llamada "Sinfonías de Londres”, Compuesto entre 1790 y 1795 por el empresario londinense Salomon.

Con casi 40 años en los que compuso las sinfonías, Haydn supera a la mayoría de los compositores de ese período por su experiencia. Es difícil agrupar la enorme creación sinfónica en períodos porque las similitudes entre las sinfonías cronológicas adyacentes a menudo parecen menos notables que sus diferencias e individualidades. En su juventud, Haydn trabajó para pequeñas instituciones, con modestas fuerzas orquestales a su disposición. Esto se refleja en sus primeras sinfonías. Durante este período y en los años posteriores a su nombramiento en la corte de Esterhazy en 1761, Haydn compuso de diversas formas estilos sinfónicos más que en cualquier otro momento, incluyendo obras con amplios elementos de concierto, cánones, finales de fugas. Estos diferentes estilos no deben verse como experimentos, sino como respuestas a los requisitos cambiantes que probablemente incluían la interpretación en la iglesia. En los últimos años Haydn ha respondido a desafíos especiales con soluciones imaginativas inesperadas, como en el cómic "Il distratto" (núm. 60-1774) cuyas seis partes fueron escritas como accesorio musical para una comedia, o en "Hornsignal" (núm. 31-1765) un brillante ejemplo de trato concertado en el que incluye diversas demandas de trompetas. Las primeras sinfonías de Haydn muestran una preponderancia del ciclo de tres partes, aunque desde el principio le dio mucho más interés a los finales de sus sinfonías que a las oberturas de las óperas típicas. Durante este período, Haydn comenzó a utilizar cada vez más el plan que contenía cuatro movimientos que ya se encontraban en muchas sinfonías austriacas: rápido - minueto / trío - lento - rápido (sinfonías n. ° 32, 37 y posteriores n. ° 44 y 68 n. ° 15 con una estructura lenta - rápida - lenta en lugar del primer movimiento rápido) lenta - rápida - minueto / trío - rápida (sinfonías n. ° 5, 11, 21, 22, 34 y 49 n. ° 18 con la estructura lenta - rápida -tempo di minuetto) y el ciclo estándar final, rápido - lento - minueto / trío - rápido (comenzando con las sinfonías nº 3 - 6,7,8 - trilogía "Le matin", "Le midi" y "Le soir" - y Nos. 14, 20, 33 y 36). Los números 6-7 se encuentran entre las primeras sinfonías que incluyen un comienzo lento, el del n. 6 ("Le matin") más como un amanecer "abreviado". Sin embargo, Haydn no usó este modelo hasta la década de 1770 y se convirtió en un modelo estándar para él solo después de 1785. Más adelante en la carrera de Haydn aparecieron varios refinamientos e innovaciones que fueron importantes para los compositores posteriores. Estos incluyen la introducción de elementos temáticos entre la introducción lenta, el movimiento rápido y los movimientos rápidos posteriores (sinfonías n. ° 90, 98, 102-3) el desarrollo y explotación de una amplia gama de diversas formas en movimientos lentos, incluidas las variaciones alternas o dobles ( comenzando con las sinfonías núms. 53, 63 y 70) y combinaciones efectivas de variaciones que conectan el minueto y el trío por medio de una transición (Sinfonías núms. 50, 99 y 104), así como el uso generalizado de la última parte en la forma. de una sonata-rondo (los ejemplos más conocidos se encuentran en las sinfonías No. 88, 94, 99, 101, 102 y 103). El puesto de Haydn en la corte del príncipe Esterhazy requería una producción constante para su ejecución inmediata, brindando así una oportunidad única para la composición pero también para la autocrítica. Así, beneficiándose de un marco tan prolífico, Haydn inicia una expansión interna, aumentando sus ideas temáticas, desarrollando nuevos medios de desarrollo, ejecutando modulaciones más distantes. El notable número resultante de refinadas sinfonías muestra muchos procedimientos característicos, incluida la construcción de una exposición a partir de una sola idea temática, con un contraste que a menudo se pospone para la sección final. La culminación de los logros de Haydn como sinfonista se produjo en 1785-1795. Una comisión de París dio origen a seis nuevas sinfonías (núm. 82 - 87) para el concierto en el "Loge Olympique" seguido de las sinfonías núm. 88 y 89 ("Tost" - 1787) y no. 90-92 (desde 1788).En estas obras Haydn alcanza nuevas alturas de ingenio, humor y accesibilidad. Posteriormente, los viajes a Londres en 1791-1792 y 1794-1795 generaron dos series de seis sinfonías: no. 93-98 y 99-104, que igualan a los otros grupos de sinfonías en cualidades y las superan en el ámbito de la concepción, el atractivo melódico, la brillantez magistral orquestal. Haydn fue un innovador en todas las direcciones. Casi todas las sinfonías contienen una variedad de ideas que desafían la clasificación. Dos procedimientos recurrentes pero cambiantes ofrecen poca introspección a sus métodos. Primero, al tratar la frase menos como un fin en sí mismo que en algunos grupos más desarrollados rítmicamente, genera un control rítmico inusualmente amplio. En segundo lugar, ampliando el proceso de desarrollo que comprende tanto la exposición como la mitad. [1]

Entre las innovaciones de Haydn en la estructura de la sinfonía se encuentran:

  • una breve introducción dramática en tempo lento con la que se abre la primera parte, luego continúa con un movimiento animado
  • la segunda parte, lenta, organizada en forma de tema con variaciones
  • el minueto (la tercera parte) tiene dos tríos el metro ternario (a tres golpes) sugiere el carácter de la danza de la que proviene, con el mismo nombre
  • el final tiene un tempo rápido y una forma de rondó simétrica, desprovista de las irregularidades del rondo barroco. [requiere citación]

Wolfgang Amadeus Mozart Modificar

Las 41 sinfonías de W.A. Mozart es el nivel más alto de su tipo alcanzado en la segunda mitad del siglo XVIII. [requiere citación] En un principio entusiasmado con el estilo de Johann Christian Bach (hijo de Johann Sebastian, afincado en Londres), Mozart se haría cargo más tarde de la construcción sinfónica desarrollada por J. Haydn. Sus contribuciones favorecen la melodía (desarrollada sobre una trama armónica esencializada en comparación con creaciones anteriores, la melodía de Mozart se describe superlativamente en términos de ingenio, fantasía) [requiere citación] y orquestación. Sus sinfonías más conocidas son: "Parisian" KV 297 (1778), "Haffner" KV 385 (1782), "Linz" KV 425 (1783), así como las últimas cuatro, "Prague" KV 504 (1786), Symphony en Mi ♭ < displaystyle flat> major, no. 39 KV 543, Sinfonía en sol menor, núm. 40 KV 550 y la Sinfonía “Júpiter”, núm. 41 KV 551 (todos en 1788).

Mozart comenzó a escribir sinfonías en 1764 en Inglaterra con solo ocho años. Debido a sus comienzos, la composición de sinfonías de Mozart abarca 25 años. Debido al contacto amistoso que tuvo en Inglaterra con J.C. Bach y Abel, Mozart se acercan a un estilo compositivo "italiano", con gráciles movimientos rítmicos sobre los que su trasfondo austro-alemán añade profundidad armónica, sutileza en el fraseo y virtuosismo orquestal. Las primeras sinfonías de Mozart enfrentan muchos problemas de autenticidad y cronología. Las primeras obras escritas en Londres y los Países Bajos entre 1764-1766 constan de tres partes, la última en 3/8. Cada primera parte tiene una forma binaria de sonata, en la que solo se repite la segunda mitad de la exposición. Los dones con los que estaba dotado Mozart, especialmente su sentido del color y el equilibrio, establecieron una serie de diferencias específicas entre sus sinfonías y las de Haydn. Su sensibilidad al color le produjo una mayor apuesta por los instrumentos de viento pero también un estilo compositivo rico en expresiones. Esta preocupación por el color también aparece en las secciones de desarrollo. El uso de la modulación, la mayoría de las veces sin alteraciones temáticas significativas, ha llevado a algunos críticos a considerar que los desarrollos de Mozart son menos sustanciales y "serios" que los de Haydn. Dos rasgos finales del estilo sinfónico mozartiano maduro son dignos de mención. Primero, algunos aspectos de su control rítmico, aunque mucho menos visibles que las pistas motivacionales de Haydn, que contribuyen significativamente a la lógica del movimiento. Y un segundo punto que generalmente se pasa por alto se refiere a cómo Mozart desarrolla los finales de las partes, incluida la serenidad y la brillantez. [1]

Ludwig van Beethoven Modificar

A través de L. van Beethoven, la sinfonía adquiere nuevas dimensiones en contenido y forma, que sorprenderían al público. Compuso nueve sinfonías, algunas con un contenido programático marcado por altas concepciones ideales y éticas. [requiere citación] La sinfonía de Beethoven, como toda su creación, dirige el interés por la canción que despierta la creación de W.A. Mozart hacia la armonía (acorde), la polifonía y la forma; en una palabra, construcción musical en cambio, su melodía es "pobre" (Liviu Dănceanu). [2] La comparación de los dos autores va más allá, discutiendo una tipología de "melodistas" y una de "compositores" - el primero se basa en el efecto creado por canciones con mucha personalidad, mientras que el segundo se distingue por el desarrollo temas musicales triviales (cuando se sacan de contexto). Beethoven es considerado para su época como el "compositor" más creativo, testimonios de su arte son los desarrollos en la primera parte de la Quinta Sinfonía y la segunda parte de la Séptima Sinfonía, construida sobre un tema casi desprovisto de melodía (el final de el movimiento retoma el tema de manera fragmentada, “cruzando” varias partes instrumentales de la orquesta durante el enunciado, en un procedimiento similar al Klangfarbenmelodie, impuesto en el siglo XX).

El lenguaje musical adoptado por Beethoven en sus sinfonías es aclamado en su momento por su movilidad e imprevisibilidad. Se amplifica la estructura de la primera parte, conteniendo un desarrollo mucho más consistente, una parte diferenciada de la exposición, mientras que el código se convierte en una sección autónoma que contiene el epílogo del discurso musical. Beethoven amplía el aparato orquestal, especialmente en la dirección de los instrumentos de viento, que además comparten la posición "melódica" con la familia de cuerdas.

La Tercera Sinfonía, "La Heroica" (1803), que representa "el comienzo de las grandes edades creativas" (Romain Rolland), [requiere citación] propone un primer movimiento lento y dramático, en forma de marcha fúnebre, en la tercera parte se sustituye el minueto por scherzo (eso. "broma"), más rápido, por primera vez. [requiere citación] Otras sinfonías a las que se hace referencia con más frecuencia: Sinfonía V en Do menor ("del destino", 1808), Sinfonía VI en Fa mayor ("Pastoral", 1808) - muestra elementos de programática e introduce una quinta parte, pero un experimento no relacionado en las siguientes creaciones de género, Sinfonía VII en La mayor ("Dance Apoteosis", 1811) y Sinfonía IX en Re menor (1824) - el final de esta última presenta a los solistas vocales y al coro ("Oda a la alegría") con letra de JC Friedrich von Schiller.

Estructura de la sinfonía clásica Modificación

La sinfonía clásica generalmente tiene cuatro partes:

  • Primera parte en tempo rápido (p. Ej. alegro), estructurada en forma de sonata bitemática y distribuida según el esquema “exposición-desarrollo-mitad”. A veces va precedido de una breve introducción lenta.
  • El segundo movimiento es lento (andante, adagio etc.) y permite enfoques más formales que se utilizan principalmente en forma de romance. cantidad, tema con variaciones y rondó. WASHINGTON. Mozart también introduce la forma de sonata en esta parte (por ejemplo, en la Sinfonía KV 551). [requiere citación]
  • El tercer movimiento, en tempo minueto (de ahí el nombre - pulsación moderada), suele ser la parte más corta de la sinfonía. Comenzando con Ludwig van Beethoven, el minueto se reemplaza por broma, en un tempo más rápido y danzante.
  • El final tiene un tempo rápido (alegro, dinámico, pronto etc.) y la mayoría de las veces se construye como un rondó, pero también en forma de sonata o como un tema con variaciones.

La primera y última parte casi siempre están escritas en la misma tonalidad, cuyo nombre entra en el título de la propia sinfonía, mientras que las partes centrales tienen una tonalidad variable: si la tonalidad básica es minoría, la cámara lenta es a menudo mayoria, mientras que si la sinfonía está compuesta en clave mayoria, las partes centrales se hacen cargo del tono dominante o subdominante. Especialmente en el romanticismo hay cada vez más excepciones a este esquema, sin embargo, sigue siendo en general un término de referencia hasta mediados del siglo XX, como lo demuestran las sinfonías escritas por Gustav Mahler, Sergei Prokofiev o Dimitri Shostakovich.

Los inicios de la Sinfonía romántica

La sinfonía del siglo XIX tiene una coherencia notable en el género, desde las primeras sinfonías de Beethoven hasta el período medio de las sinfonías de Mahler. La identidad del género se basa en gran medida en criterios externos de estructura y tamaño: los compositores designaron la sinfonía como una obra orquestal para una orquesta de proporciones medianas o grandes, que generalmente consta de tres, cuatro o cinco partes (generalmente cuatro). En la parte I se suele utilizar la forma de sonata, precedida de una introducción lenta en la segunda parte a menudo tenemos un momento lírico lento, normalmente en forma de sonata o tipo ABA, o tema con variaciones, la tercera parte suele ser un baile - broma y la cuarta parte un final rápido. El orden de las dos partes intermedias a veces se cambia y, por supuesto, hubo otras excepciones a esta forma estándar, pero siguen siendo excepciones. [1] Según estos criterios externos, la sinfonía podría definirse como una "sonata de orquesta", aunque de hecho las diferencias entre estos dos géneros son complejas. Hacia fines del siglo XVIII y principios del XIX, los comentarios críticos sobre la sinfonía enfatizaron repetidamente cualidades distintivas: una textura esencialmente polifónica y un matiz "público". La sinfonía ha sido apreciada constantemente por su capacidad única para unir una gama tan amplia de instrumentos de tal manera que ninguna voz es predominante, contribuyendo todos a un todo. [1]

Debido al prestigio estético de la sinfonía, y debido a las exigencias compositivas puramente técnicas, este género fue universalmente conocido, a principios del siglo XIX, como piedra de toque de la habilidad compositiva. Era un sentimiento generalizado que un compositor no podía (o al menos no debía) componer una obra de este tipo sin dominar los géneros más pequeños. La sinfonía fue vista como un medio de fama y no como un ingreso financiero, porque a pesar de su prestigio como género, seguía siendo económicamente poco rentable tanto para los compositores como para los editores. Las sinfonías eran difíciles de componer y requerían tanto ingenio como apoyo financiero para su publicación. [1]

Las sinfonías, junto con los oratorios, fueron el repertorio central de muchos festivales de música que aparecieron en Alemania en la primera mitad del siglo XIX. La aparición de un nuevo repertorio centrado en las últimas sinfonías de Haydn y Mozart y la Novena Sinfonía de Beethoven, ayudó a ampliar la orquesta sinfónica. Al mismo tiempo, el mismo repertorio canónico hizo que la aceptación de nuevas obras fuera mucho más difícil. [1]

Sinfonía de Beethoven

La primera sinfonía de Beethoven apareció en la escena musical en 1801, cuando la música instrumental en general, especialmente la sinfónica, comenzó a disfrutar de un aumento sin precedentes en el estatus estético. En los últimos diez años del siglo XVIII la sinfonía se consagró como uno de los géneros instrumentales más prestigiosos, pero al no tener un objeto perceptible de representación, se la veía como un medio de entretenimiento más que como una forma de transmitir ideas sociales y morales. .o intelectual. En "Crítica de la facultad del juicio" (1790), Kant repitió el concepto general de la época al rechazar la idea de que la música instrumental denotaría "más placer que cultura" con el argumento de que no podría incorporar conceptos y por tanto debe ser juzgada. en función del placer derivado de su forma simple. Según Kant, cualquier contenido asociado con el pensamiento en la mente del oyente era puramente accidental. Las obras instrumentales que intentaron “representar” un evento, o un objeto específico fueron despreciadas y consideradas ingenuas e inferiores desde un punto de vista estético.

Comenzando con Sinfonía III, Heroica, Beethoven exploró una variedad de formas en las que la música instrumental podía evocar imágenes e ideas que trascienden el mundo del sonido. La notación de una "idea poética" fue una constante central en la recepción de la música instrumental de Beethoven, y el mejor ejemplo se encuentra en la Quinta Sinfonía.

Desde una perspectiva más técnica, las sinfonías de Beethoven exploran una amplia gama de enfoques compositivos. De hecho, las innovaciones de Beethoven desde un punto de vista formal son extraordinarias, tanto a nivel de la parte en sí como de las partes como ciclo. La integración del coro al final de la Novena Sinfonía es una de las formas más evidentes en las que podemos observar la exploración de nuevos enfoques de este tipo. La Tercera Sinfonía, con su evocación de ideales éticos y políticos pero también de muerte (Marcha fúnebre), amplió sustancialmente los límites anteriores de la sinfonía “estándar” y abrió explícitamente el género en el ámbito social. La Sexta Sinfonía, Pastoral, trata de la relación del hombre con la naturaleza y explora el potencial exponencial de la música instrumental de una manera que varía de vaga a específica. The 7th Symphony evita posiciones programáticas pero explora sonidos y ritmos orquestales con una intensidad sin precedentes. Fue la Novena Sinfonía de Beethoven la que redefinió este género. A raíz de estas obras, la sinfonía ya no se considera solo una cuestión de entretenimiento, sino un vehículo de ideas morales, filosóficas e incluso sociales. Y al introducir texto y voz en lo que había sido un género instrumental tradicional, Beethoven cuestionó implícitamente la superioridad estética de la música instrumental. En este sentido, la Novena Sinfonía de Beethoven fue el catalizador de lo que se puede llamar una "crisis" sobre la propia naturaleza del género. En la década de 1830, un intenso debate sobre el futuro de la música estaba en pleno apogeo, y la sinfonía, como el más ambicioso de todos los géneros musicales, estaba en el centro de este debate. Schumann en su famosa reseña de la Sinfonía fantástica de Berlioz señaló en 1835 que después de la Novena Sinfonía de Beethoven "las dimensiones y objetivos de la sinfonía" se habían agotado. Después de resumir varias de estas obras, Schumann declaró a Mendelssohn el ganador de la "corona y cetro sobre todos los demás compositores de la época", pero señaló que llegó a una conclusión: no quedaba nada que ganar. Muchos compositores continuaron escribiendo sinfonías entre 1820 y 1830, pero incluso en ese momento había un sentimiento creciente de que estas obras eran estéticamente muy inferiores a la última sinfonía de Beethoven.

El legado de Beethoven fue, por supuesto, uno de los factores que influyó en la interpretación sinfónica de 1820-1830, y sería simplista atribuir cualquier cambio en el género a este único factor. Evidentemente, la sinfonía siguió siendo un desafío para los demás compositores. La verdadera cuestión no era si se podrían haber compuesto otras sinfonías sino si era posible que este género se desarrollara como lo ha hecho en los últimos cincuenta años de la mano de Haydn, Mozart y Beethoven al respecto, había muchas opiniones escépticas, pero prácticamente ningún optimismo real.

El único compositor capaz de hacer frente al legado de Beethoven en la década de 1830 fue Berlioz. Fue reconocido durante su vida, especialmente en Alemania, como un verdadero heredero de la sinfonía de Beethoven.En cada una de las tres sinfonías de conciertos, Berlioz aborda desafíos genéricos establecidos por Beethoven. La Sinfonía fantástica de 1830, que ganó considerable notoriedad debido a los arreglos para piano de Liszt, es una imagen casi reflejada de la Novena Sinfonía de Beethoven. La brillantez y originalidad de la orquestación de Berlioz, el enfoque "cósmico" del género y su capacidad de mezclar música y narración sirvieron de inspiración para los siguientes compositores, para expandir el espíritu y la originalidad de Beethoven dentro del género sinfónico, sin imitarlo directamente. Las sinfonías de Liszt y Mahler están profundamente ligadas al legado de Berlioz. [1]

La generación que siguió a L. van Beethoven no continuó directamente con la complejidad formal y la densidad expresiva de su música. En las nueve sinfonías de Franz Schubert, con una estructura más lineal y un carácter de canto patético, [requiere citación] hay más énfasis en la repetición variada de detalles melódicos que en el desarrollo temático. Las más conocidas son la Octava Sinfonía en si menor - llamada "Inconclusa" (1822) por la estructura inusual de solo dos movimientos (el propio Schubert abandonó la escritura de una tercera, encontrando el equilibrio formal necesario para la obra muy bien expresada en solo dos partes). Aun así, varios compositores propusieron sus propias "terminaciones" de la sinfonía, pero ninguna se impuso) - y la Novena Sinfonía en Do mayor (1828).

Las sinfonías de Felix Mendelsohn Bartholdy y Robert Schumann se caracterizan por la riqueza de la configuración armónica y el contenido poético, propio del romanticismo, a menudo inspirado en la religiosidad protestante. [requiere citación] Las sinfonías más conocidas de Mendelsohn, la Tercera Sinfonía "Escocesa" (1832), la Cuarta Sinfonía "Italiana" (1833) y la Quinta "Reforma" (1842), contienen elementos programáticos, pero esto no está representado por los subtítulos. ( que no pertenecen al compositor). Las sinfonías de Robert Schumann, incluida la "Primavera" de la Sinfonía I (1841) y el "Rin" de la Sinfonía III (1850), están formalmente, en su mayor parte, desprovistas de densidad estructural, con más énfasis en la construcción melódica. [requiere citación]

Fuera de Alemania, la evolución de la sinfonía incorpora elementos híbridos, como demuestra en Francia Héctor Berlioz en "Sinfonía fantástica" (1830), una de las primeras obras de música programática, cuya estructura (orden y número de movimientos) se altera en comparación a los cánones clásicos para representar mejor el “sujeto” elegido (que, sin embargo, no tiene otra materialización que la sugerencia de la narrativa a través de alusiones musicales). Tanto la orquestación como la polifonía en las composiciones de Berlioz son profundamente originales y ejercerán fuertes influencias sobre los compositores franceses que lo seguirán.

Cambio de período romántico tardío

Johannes Brahms y Anton Bruckner tienen el mérito de consolidar su lenguaje sinfónico y darle una fuerte fuerza arquitectónica. Las cuatro sinfonías de Brahms reivindican un compromiso moral permanente con la configuración romántica, con una especial austeridad de lenguaje y pureza de formas, frente al complicado y denso universo armónico wagneriano.

Anton Bruckner encaja en el rigor arquitectónico de Brahms, pero utiliza un lenguaje armónico en el que se siente la influencia de Richard Wagner. El tamaño de las sinfonías de Bruckner amplifica la longitud y la complejidad de la orquestación. Los temas principales de los primeros movimientos de sus sinfonías suelen ser tres y, en general, cada movimiento se enriquece con otras ideas melódicas secundarias. El grupo de sopladores de latón interviene a menudo, interrumpiendo el impulso dinámico, adagioul a menudo tiene forma el rugió, y el final se construye, como el primer movimiento, en forma de sonata y utiliza temas ya aparecidos en los movimientos anteriores.

Un lugar especial lo ocupa Gustav Mahler, quien amplifica aún más el aparato formal e instrumental de las sinfonías de Bruckner. Coros y solistas vocales aparecen en muchas de sus sinfonías: La 2da Sinfonía contiene un final que es un himno monumental de "Resurrección", en la tercera, en seis partes, interviene un solista contralto y un coro femenino, en la octava se canta el tema religioso "Ven Creator Spiritus", el noveno termina con un adagio que dura media hora, y el décimo, que permanece sin terminar, contiene solo una adagio en el que ya se reconocen elementos atonales.

Entre los compositores sinfónicos de la segunda mitad del siglo XIX se encuentran: Piotr Ilyich Tchaikovsky y Alecsandr Borodin (Rusia), Camille Saint-Saëns, Georges Bizet y César Franck (Francia), los compositores checos Bedřich Smetana y Antonin Dvořàk (novena sinfonía "De la nueva World "), Jean Sibelius, compositor finlandés.

A principios del siglo XX, existe una tendencia en todos los campos del arte a renunciar a las formas tradicionales, buscando nuevas posibilidades de expresión artística. En el campo de la sinfonía se confrontan diversas corrientes artísticas (ej .: expresionismo, neoclasicismo) y procedimientos compositivos (ej .: técnica dodecafónica). Si bien muchos compositores, como Charles Ives, George Enescu, Carl Nielsen, Ralph Vaughan Williams, Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich siguen estrechamente vinculados a la forma tradicional, en las sinfonías de Albert Roussel o Arthur Honegger hay motivos impresionistas, algunos recurren a Formas tablillas, como Max Reger, Darius Milhaud, Paul Hindemith, Anton Webern, otros adoptan el estilo lineal polifónico, como Arnold Schönberg, Karl Amadeus Hartmann.

Después de 1950, hubo una disminución en el interés por componer sinfonías. Sin embargo, varios compositores también han realizado fructíferos intentos en este género:

Compositores sinfónicos rumanos

  • Pascal Bentoiu (8 sinfonías)
  • Nicolae Brânzeu (3 sinfonías y una sinfonía de concierto)
  • Mihai Brediceanu (1 sinfonía)
  • Sergiu Celibidache (4 sinfonías)
  • Paul Constantinescu (Sinfonía de Ploiești)
  • Dimitrie Cuclin (20 sinfonías)
  • George Enescu (5 sinfonías, las dos últimas orquestadas por Pascal Bentoiu y una sinfonía de cámara)
  • Dinu Lipatti (1 concierto sinfónico para dos pianos y orquesta de cuerdas)
  • Ștefan Niculescu (5 sinfonías)
  • Tiberius Olah (1 sinfonía)

La orquesta, como se encuentra al final de la transición al clasicismo, está formada por instrumentos de cuerda y de arco (violín, viola, violonchelo, posiblemente contrabajo o equivalente), instrumentos de viento (flauta, oboe, fagot), trompas y timbales. Desde las últimas sinfonías de J. Haydn, la orquesta requiere trompetas y clarinete (que no se utiliza en un gran número de sinfonías de W.A. Mozart). [requiere citación] Bajo la influencia de la ópera, se añaden posteriormente la trompa inglesa, el contrafagot, los sopladores de latón con un alcance más ambicioso que la trompa francesa (trombón, tuba) y el arpa. A estos se suma la voz humana, tal como fue grabada por primera vez en la Novena Sinfonía por L. van Beethoven. Para comparar, siga la instrumentación de sinfonías y ciclos sinfónicos:

  • Últimas sinfonías de J. Haydn (1790-1795): cuerdas, 1 flauta, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales
  • 7a Sinfonía de L.van Beethoven (1812): instrumentos de cuerda, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales
  • Primera sinfonía de J. Brahms (1876): instrumentos de cuerda, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 1 contrafagot, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones y timbales
  • 6a Sinfonía de G. Mahler (1906): instrumentos de cuerda, 4 flautas, 4 oboes, 3 clarinetes, 1 clarinete en Mi ♭ < displaystyle flat>, 1 clarinete bajo, 3 fagotes, 1 contrafagot, 8 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, 1 tuba, timbales, arpa, celestial, xilófono, otras percusiones.

Además de la variedad de timbres, el número de elementos de una orquesta sinfónica también aumentó significativamente en la era romántica, desde unas pocas docenas en las sinfonías de Haydn y Mozart hasta más de un centenar de elementos en las últimas sinfonías de Beethoven, pasando por orquestas a gran escala. para las creaciones del período romántico tardío.


Sinfonía de colores - Recetas

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El 8 de septiembre, Radio Romania Muzical, ParkLake de Bucarest, Radio Orquestas y Coros organizan un concierto-evento, el primer concierto de música sinfónica de tal magnitud en un centro comercial de Bucarest.

Visualización de eventos

El 8 de septiembre, Radio Romania Muzical, ParkLake de Bucarest, Radio Orquestas y Coros organizan un concierto-evento, el primer concierto de música sinfónica de tal magnitud en un centro comercial de Bucarest: Radio Chamber Orchestra, director Constantin Adrian Grigore, solista Irina Serbian.

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Es el primer evento de tal magnitud que involucra a una orquesta sinfónica, en un centro comercial de Bucarest ParkLake está preparando una verdadera sala de conciertos al aire libre, con cientos de sillas y prosecco para los espectadores, un evento destinado a mostrar que la música clásica es para todos y puede hacernos a todos mejores. La entrada al público es gratuita.

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Concierto de la Radio Orquesta de Cámara, en el centro comercial! ¡Viva la sinfonía de los colores del otoño!

¿Qué forma es más apropiada para celebrar los colores del otoño, si no a través de la música? ParkLake, junto con Radio Romania Muzical, pero también con las Orquestas y Coros de Radio Romania, invita a la gente de Bucarest el sábado 8 de septiembre, a partir de las 19:00 a participar en un concierto especial. Contará con el apoyo de la Radio Orquesta de Cámara, junto con el director Constantin Adrian Grigore y la solista Irina Sarbu. Los artistas aparecerán en el escenario especialmente instalado en el ParkLake Garden y deleitarán a los espectadores con famosas piezas de música clásica y jazz.

El concierto, presentado por los directores matutinos de Radio Romania Muzical, Andreea Chiselev y Liviu Petu, combinará los dos estilos musicales: la música clásica y el procesamiento al estilo jazz de algunas famosas canciones rumanas se entrelazarán en un programa accesible para todos. Desde Mozart hasta Johann Strauss-son y Dmitri sostakovici, las obras musicales que todos tarareamos alguna vez serán interpretadas con pasión por artistas en el escenario.

,, Es importante hacer tiempo para la cultura, porque la cultura nos inspira y nos da un toque de color en la vida cotidiana. Queremos ofrecer la oportunidad a la mayor cantidad de gente posible de descubrir la magia de la música clásica ”, dijeron los representantes de ParkLake Shopping Center.

El evento es el primero de su tipo y de tal magnitud que involucra a una orquesta sinfónica, organizada en un centro comercial de Bucarest. Para ello, ParkLake Shopping Center dispondrá una auténtica sala de conciertos al aire libre, con cientos de sillas, pero también con prosecco para los espectadores. La entrada al concierto es gratuita.

Una velada perfecta, pasada por la gente de Bucarest en acordes musicales, en medio de la decoración verde del jardín ParkLake.

Se pueden encontrar más detalles sobre los eventos de ParkLake, pero también el programa en www.parklake.ro y en la página de Facebook del ParkLake Shopping Center.

Orquesta de cámara de radio

La Studio Orchestra, precursora de la actual Radio Orquesta de Cámara, fue fundada en 1947.

En más de 30 temporadas, este conjunto ha combinado la actividad de realizar grabaciones especiales para retransmisiones radiales en estudio, con su presencia en el podio de conciertos. A través de la variedad del repertorio abordado (barroco, clasicismo, música del siglo XX, etc.) y mediante la cooptación de solistas instrumentales o vocales, la Orquesta de Estudio de la Radiodifusión Rumana ha evolucionado cualitativamente, ofreciendo numerosos títulos a espectáculos musicales. Por supuesto, el mérito también pertenece a los maestros de la mesa de dirección: Constantin Silvestri, Mendi Rodan, Constantin Bobescu, Carol Litvin, Ludovic Bács.

Desde 1990, la Orquesta de Estudio se ha transformado en la Orquesta de Cámara de Radio.

Con una temporada permanente de conciertos y grabaciones, este conjunto es una presencia activa y atractiva en la vida musical rumana. Los conciertos realizados en el Radio Hall, los viajes por el país o las giras por el extranjero fueron verdaderos eventos musicales. El éxito de Bach-250, Haydn, Schubertiada, Mozart - 250, Händel & Haydn, las cinco ediciones del International Guitar Festival, el International Bandoneon and Accordion Festival, el Evening Organ Festival en el Radio Hall, no habría sido posible. sin el aporte especial de la Orquesta de Cámara de Radio.

Las numerosas obras grabadas, muchas en la primera audición absoluta, algunas de las cuales están grabadas en CD, completan la imagen de la actividad de este conjunto musical. El nombre de la Radio Orquesta de Cámara está relacionado con la monumental realización de los Conciertos Integrales para Piano y W.A. Orquesta. Mozart, en la versión interpretativa de la pianista Dana Borsan, un evento discográfico por primera vez en la historia de la música rumana.

El repertorio específico de la banda se centró en la promoción de obras menos conocidas, en la primera audición rumana, siendo la variada e interesante oferta uno de los puntos de atracción para el público melómano. A esto se suma una rica representación de la música rumana.

Casi todos los importantes directores rumanos han contribuido a la fama del conjunto, a lo largo de su historia de más de medio siglo, así como los maestros que forman parte de la élite de la vida musical internacional: Horia Andreescu, Enrique García Asensio, Marco Balderi, Gabriel Bebeselea, Jean Pierre Berlingen, Francois Xavier Bilger, Robert Bokor, Amaury du Closel, Iosif Conta, Peter Csaba, Lawrence Foster, Christopher Wareen Green, Leonid Grin, Tetsuji Honna, I.Ionescu-Galati, Cristian Mandeal, Camil Marinescu, Paul Meyer, Milen Nachev, Thomas Rösner, Roberto Salvalaio, Deja Savic, Gerd Schaller, Tiberiu Soare, Ralf Sochaczewsky, Neil Thomson, Gian Luigi Zampieri, Jin Wang sa

Se notó la presencia de algunos prestigiosos solistas rumanos del país y del exterior: Cristina Anghelescu, Dana Borsan, Dana Ciocarlie, Viorica Cortez, Ileana Cotrubas, George Crasnaru, Ruxandra Donose, Teodora Gheorghiu, Valentin Gheorghiu, Daniel Goiti, Dan Grigore, Nicolae Herlea , Dan Iordachescu, Silvia Marcovici, Mihaela Martin, Horia Mihail, Eugenia Moldoveanu, Mariana Nicolesco, Adina Nitescu, Aurelian Octav Popa, Liviu Prunaru, Ion Ivan Roncea, Eugen Sarbu, Georgeta Stoleriu, Razvan Suma, Eduard Tumagian, Alexandrue Tomescu, Miasae Tomescu Lory Wallfsch, Bogdan Zvoristeanu, sa

También deben mencionarse los nombres de invitados extranjeros importantes: Emanuel Abbühl, Dmitri Alexeev, Yossi Arnheim, Claudi Arimany, Pierre-Yves Artaud, Brigitte Balley, Igor Bezrodnii, Gabriel Bianco, Daniel Blumenthal, Vladimir Bunin, Grace Bumbry, Marc Coppey, Costas Cotsiolis, Christopher Czaya-Sager, Aniello Desiderio, Richard Galliano, Lorenzo Gatto, Elina Garanča, David Grimal, Rivka Golani, Natalia Gutman, Monique Haas, Barbara Hendricks, Patricia Kopatchinskaja, Elisabeth Leonskaja, Misha Maisky, Carlo Marchione, Dominique Merlet, Alexis Mouzourakis, Vasso Papandoniou, Michel Portal, Susana Prieto, Hiroko Sakagami, Peter Soave, Pavel Steidl, Gerhard Reichenbach, Katia Ricciarelli, Michael Roll, Laura Vukobratovic, Andreas von Wagenheim, Sonia Wieder Atherton

La promoción de jóvenes directores e intérpretes rumanos forma parte de la estrategia de gestión de esta orquesta, que, a su vez, está formada principalmente por valiosos jóvenes músicos.

Giras al extranjero en Rusia, Ucrania, Austria, España, Francia, Italia, Japón, Grecia, Chipre, Alemania, Corea del Sur, grabaciones, películas para televisión, participación en las ediciones del Festival Internacional George Enescu, Festival de la Semana Internacional de la Música. por el público y la prensa especializada.

Irina Sarbu

Dependiendo del repertorio al que se acerque, Irina Sarbu modela su voz con un timbre especial, fácilmente reconocible, y conduce su imaginación improvisadora en muchas direcciones, cada una espectacular a su manera. El jazz domina y deja su huella en cada canción desde "Route 66" hasta "C'est si bon", desde "One note samba" hasta "Ciocirlia" y & quotHora staccato & quot, desde la amplia e intensamente sostenida melodía de la creación de entreguerras. Canciones rumanas como "Zaraza" en percusión vocal que explota de manera impredecible, brillante y colorida como un espectáculo de fuegos artificiales en el último disco del solista - "Seven Stairs" - con ETHNOTIC Project. A través de lo que hace con su talento trabajado en muchos años de estudios especializados, Irina Sarbu se impone con fuerza frente al público y permanece fija permanentemente en la memoria. Debido a la originalidad y la forma de procesar las canciones que se han convertido en clásicos o de cantar de forma original y única instrumentos instrumentales del folclore rumano, se reconoce unánimemente el valor del vocalista. Ha actuado tanto en el país como en el extranjero - Nueva York, Washington, París, Atenas, Madrid, Viena, Venecia, Bruselas, Praga, Lisboa, Estocolmo, Jerusalén, Milán - en recitales de clubes o en festivales de jazz nacionales e internacionales. Curiosa, en una búsqueda permanente de algo nuevo (aunque irremediablemente enamorada del jazz clásico), Irina Sarbu siempre ofrece al público programas interesantes y originales.

Constantin Adrian Grigore

Durante sus estudios en el país, luego en Polonia en la Academia de Música "Karol Lipinski", el director Constantin Grigore se benefició de la guía de directores de renombre: Horia Andreescu, Petru Andriesei, Ilarion Ionescu-Galati y el director polaco Marek Pijarowski.

Constantin Grigore perfeccionó una pasantía en la Rundfunk Sinfonieorchester Berlin (2011) bajo la dirección del maestro Marek Janowski y más tarde (2012) en la Bayerische Rundfunk y Munchner Philharmoniker, donde participó en ensayos y conciertos de Mariss Jansons, Bernard Haitink, Alain Gilbert, Paavo Jarvi, Lawrence Foster o Vasily Petrenko, participando en paralelo también en los cursos de fenomenología impartidos por Konrad von Abel.

Constantin Adrian Grigore ofreció conciertos en la mesa de importantes orquestas, tanto del país (Orquesta Sinfónica de la Filarmónica “George Enescu”, Orquesta de Cámara de Radio, Orquesta de Radio Nacional, Filarmónica Estatal “Moldova” de Iasi, Filarmónica “Ion Dumitrescu” - Rm Valcea, Filarmónica "Paul Constantinescu" de Ploiesti, Filarmónica del Estado de Pitesti, Filarmónica del Estado de Sibiu, Filarmónica del Estado de Oradea, Orquesta del Teatro "Nae Leonard" de Galati, Orquesta del Teatro de Ópera y Ballet "Oleg Danovski", Orquesta Nacional de Opereta y Teatro Musical en Bucarest) y en el extranjero (Polonia - Orquesta de Cámara "R-20" de Wroclaw, Filarmónica de Kielce, Orquesta Nacional de Cámara de la República de Moldavia o Filarmónica "Serghei Lunchevici" de Chisinau).

También es uno de los miembros fundadores y director de la orquesta de cámara "Camerata Regala", con la que ha dado numerosos conciertos en Rumanía, pero también en Albania, Moldavia o Polonia, y en enero de 2016 fue invitado por el Instituto Cultural Rumano. , para dar un concierto en la mesa de la Cámara Real, en el MozartSaal de la Konzerthaus Vienna.

En 2017 fue invitado a la mesa de la Royal Philharmonic de Lieja, donde ofreció un ciclo de 7 conciertos en Liege (Philharmonic Hall), Bruselas (Bozar), Ath, Ottignes y Namur.

Constantin Adrian Grigore ha colaborado con famosos solistas de la escena musical como Florin Croitoru, Rebekka Hartmann, Nicolae Licaret, Daniel Podlovschi, Gabriel Croitoru, Florin Ionescu Galati, Ilian Garnet, Aura Twarowska, Teodor Ilincai, Cristian Mogosan, Irina Iordachescu, Sergi Gimegosan Carreras, Sorina Munteanu, Iulia Merca, Katarzyna Dondalska, Stefan Ignat, Ana Maria Donose, Cristina Anghelescu, Ioana Cristina Goicea, Raluca Ouatu, Tina Munteanu, Horea Haplea, Ingmar Anthony Lazar, Cristian Sandrin, Ioana Ilie, Laura Nicorescu, Anna Mirescu, Natalia Konik, Wictor Kociuban, Piotr Banasic, Alessandro Safina o el Coro Nacional de Cámara Madrigal.

Constantin Grigore ha recibido numerosos premios y distinciones - como jefe de promoción de la UNMB, el premio de la fundación "Bucovina Brothers" (2006), el primer premio en el concurso de interpretación "Garabet Avachian", semifinalista en el Concurso de Dirección "Jeunesses Musicales Bucarest "- Edición 2010, así como varios diplomas otorgados por el Gobierno rumano por la colaboración y coordinación de numerosos proyectos culturales. Ha colaborado con instituciones de prestigio como el Ministerio de Cultura y Cultos de Rumanía, Artexim o ICR Varsovia.

Actualmente, Constantin Grigore es el director principal de la Royal Chamber Orchestra.


Tiempo y espacio en la sinfonía de colores @ Iași

Tenemos el honor especial de invitarlos a la inauguración de la exposición de pintura "Tiempo y espacio en la sinfonía de colores" firmada por Mihai Coțovanu, que tendrá lugar el lunes 22 de febrero de 2021 a las 1700 en la Galería Theodor Pallady, calle Lăpușneanu. , Iași.

Presentado por el crítico de arte Petru Bejan

Horas de visita 10:00 & # 8211 18:00, 22 de febrero & # 8211 10 de marzo de 2021

En el arte de la pintura, el artista plástico tiene que pasar por muchas etapas para convertirse en un director perfecto, un virtuoso de los colores sobre el lienzo. Adquirir virtuosismo en el arte de pintar y transformar el lienzo en una sinfonía de colores es un viaje amplio y complejo, una ciencia profunda, una formación continua de análisis y observación. Para percibir y distinguir las finas tonalidades de color, el ojo debe estar formado de tal manera que se convierta en una herramienta perfecta en el manejo de los colores en la paleta y el lienzo, para alcanzar la capacidad de transmitir emoción a través del color en el motivo pintado. El artista debe llegar a la experiencia interior, para poder sentir el color fluyendo del alma a través de las venas. El pincel se transforma en una varita que dirige los colores sobre la paleta, en la armonía de los sonidos cromáticos transpuestos no solo en el espacio y durante el devenir, sino también en el espacio del lienzo, como forma y expresión de la razón, como partitura sinfónica. de colores en el mundo visto, invisible en el devenir expresivo del ser interior. La realidad circundante en su diversidad se convierte en fuente de inspiración en el arte de la pintura, en la que el artista aprende a mirar para comprender los misterios tras el telón de la realidad, misterios que nos emocionan y nos plantean grandes interrogantes. Señalo que la organización compositiva de la superficie plástica y la necesidad de crear una pintura con un centro de interés es una reflexión sobre el autodescubrimiento (en forma de telúrico social, la necesidad individual, personal de ser el centro de interés) . A través del cuadro así realizado, el espectador es conducido a la satisfacción cultural-espiritual, a través de sonidos armoniosos, modulados por finos tonos de matices, matices, colores, portadores de la más pura energía cromática de los colores, como instrumentos que interpretan claramente el fluir armonioso de las notas, a ella penetra el alma. La creación en sí es una sinfonía del Gran Director, que refleja las reglas de la creación en intervalos musicales musicales. Desde este punto de vista, la inspiración creativa del músico proviene de la música de las esferas. Al escuchar las sinfonías de los grandes compositores, nos penetra la música, desprendiéndonos de los aspectos telúricos de la vida.


Exposición | Rodica Vinca: "Sinfonía de colores"

"La sinfonía de colores”, La tercera exposición individual de Rodica Vinca, será acogida por la Biblioteca Sylvain-Garneau en Laval (187 Boulevard Sainte-Rose, H7L 1L5). 35 obras sobre lienzo (acrílico y técnica mixta) y 17 sobre vidrio (vidrieras y cristales) componen esta nueva exposición, en la que se vuelve a notar la técnica y cromáticas empleadas por el artista.

"Sinfonía de colores" continúa y completa las dos exposiciones anteriores de Rodica Vinca, de 2016 y 2017, "Memoria de color ” y respectivamente "El canto del agua ” (ambos tuvieron lugar en el restaurante boutique Château Napoléon en Rosemère). "Memoria de color" demostró que el artista hace un uso pleno y valiente de los colores. Su pintura es textura, color, contraste, pero también armonía, elementos que se reflejan en la totalidad de sus obras, que alternan entre lo abstracto puro y una cadena de elementos sugerentes y emocionales. En el "La Canción del Agua", donde, como sugiere el título, el agua era el motivo central, la artista experimentó por primera vez con la pintura sobre vidrio (jarrones), que explora en profundidad en la exposición de este año.

Esto es lo que nos contó la artista sobre la evolución de su estilo, la relación con la pintura y el refugio en el color: “Quiero una evolución continua, pero al mismo tiempo no quiero perder la conexión con el pasado, con el años de inicio, cuando quise y logré restaurar la inocencia, la claridad, el poder y la sinceridad con los colores arremolinados. El resultado final es complejo, pero al mismo tiempo simple. Es mi relación con la forma, las líneas y el color. La pintura es un proceso intuitivo, sentimental, con un cierto significado de cada representación sobre lienzo. Es una motivación permanente de sentimientos y sentimientos profundos, reflejados en la armonía de colores. Utilizan diversos medios, principalmente acrílicos generosamente combinados. La consistencia del color viene dada por la diversidad de tonalidades, sin diluciones sucesivas, pero en mezclas armoniosamente combinadas ”.

En los últimos años, su trabajo se ha destacado tanto en Canadá como en el extranjero. En 2017 recibió la medalla de bronce a la originalidad, técnica y valor estético en la Gala Internacional de Artes Visuales Son et Lumière, un concurso anual organizado por el Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (CAPSQ), del que es miembro. .

En la primavera de este año, Rodica Vinca recibió otra medalla de bronce, "La Victoire de Samothrace", por su originalidad, valor estético y técnico y por su contribución a la promoción del arte del país de adopción, Canadá. La medalla fue otorgada en la 48ª Exposición Internacional CAPSQ en Charente-Maritime, Francia, que tuvo lugar en la Abbaye de Fontdouce, una abadía benedictina fundada en 1111 y declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.


Video: Sinfonía de Colores Cortometraje animado (Septiembre 2021).